奥斯卡的「最佳艺术指导」到底是个怎样的奖？

先来一段从1927年开始到2017年的历届奥斯卡最佳艺术指导奖视频回顾：

历届奥斯卡最佳艺术指导奖回顾 https://www.zhihu.com/video/1066116416964562944

来源：YOUTUBE 作者：Sam Passer

原地址： https://www. youtube.com/watch? v=tbclQ4owEIU

在弄清这个奖是什么之前，我们不妨先弄清这个奖授予的是哪个电影职位，正如其他回答所说的一样，获奖者确实包括了两个群体： 艺术总监（Production Designer） 和 布景陈设师（Set Decorator）。

什么是艺术总监？他和布景陈设师又有什么区别？

这个其实又是一个新的回答了，简单地称为做布景的、做道具的其实是不准确的。但我想这里可以用一个比喻来解释：艺术总监是电影视觉环境设计的 建筑设计师 ，布景陈设师其实相当于电影视觉环境的 室内设计师 。

电影视觉环境设计范畴包括：城市环境、自然景观、建筑、室内、家具、陈设、道具、平面装饰等辅助演员表演与摄影机拍摄的视觉载体。所以，奥斯卡最佳艺术指导奖对应的获奖群体应该是这些视觉环境设计的核心主创。

这很容易让人联想到国内另外三个与之类似的奖项：

台湾电影金马奖 ——最佳美术设计

香港电影金像将 ——最佳美术指导

中国电影金鸡奖 ——最佳美术

这三个奖项的获奖者无一例外都是华语电影美术部门的主管——美术指导

艺术总监、美术指导、布景设计师......这三人又是怎样的联系啊！！或许看到这大家又产生了更多的迷惑，这其实不单单是奖项设置问题，也和中美电影的生产制作方式和整体水平息息相关。

在好莱坞，历来有电影“三位一体”的说法，即导演、摄影指导、艺术总监是电影公认的三个最核心的主创。 他们常常紧密地合作在一起，三缺一或哪个部分掉链子都可能引起电影的“血崩”。

上图是《金刚》（2005版）拍摄现场的剧照，入境人员包括《指环王》系列的铁三角：导演 彼得·杰克逊 （居中）、摄影指导 安德鲁·莱斯尼 （中后戴帽那位）、艺术总监 格兰特·梅杰 （右前），而视效总监理查德·泰勒（左前）正在给他们讲解特效呈现方式。

由于美术制作体量较大，好莱坞虽然也设有美术指导的职位，但其实是艺术总监的副手，管理着美术部门。有时候美术部门会有多个美术指导，其中某位作为美术监制（Supervising Art director，首席美术指导）来统领部门事务。

布景陈设师算是中美差异较大的职位，其实中国也有负责陈设的陈设美术或道具陈设，但没有形成独立的专业团队。 好莱坞的布景陈设师不但拥有更多自主创作的权利，还管理着专门负责场景装饰的团队——陈设部门。

所以，说了那么多，其实最核心的问题在于，奥斯卡最佳艺术指导奖的分量除了依托于奥斯卡本身的影坛地位外，还在于艺术总监这个职位超越了传统意义上美术指导的职权与地位，成为了电影举足轻重的缔造者之一，这也是将奖项从 Best Art Direction 转换成 Best Production Design 的真实原因。

不过对于主流大众来说，其实电影制作设计（Production Design）一直是一个小众的专业分支。 就像建一栋房子，你比较可能知道它的建筑设计师是谁；拍一部电影，你可能只记住了导演和演员。但不可否认的是，电影制作设计从电影诞生开始只经历了百年的时间，从最开始的美术工人、布景画师到现在已经迅速发展成为了一项众多专业分工合作的艺术门类，前景可期。

记得曾有人提出过一个问题： 观众在意的是剧情、演员、摄影剪辑，至于那些对背景里的房子、家具、道具高质量的造型审美、细节考究是否没太大必要？ 极端来说，让演员在一间什么都没有的黑屋子里表演也是可以的。

这个其实是一个与艺术或设计沾边的行业或多或少共有的问题。我只要住的舒适就行，你在建筑设计中考虑那么多构造细节干嘛？我觉得有《王者荣耀》就够了，你劝我买PS4和XBOX有啥必要啊？我平时公园散散步就行，报啥健身班、瑜伽班啊？

哈哈，问题的真相早早就在初中的政治课本上写出来了： 在社会主义初级阶段，我国社会的主要矛盾是人民日益增长的物质文化需要同落后的社会生产之间的矛盾。

当中国人都吃饱了、穿暖了，在物质之外的文化与精神方面的需求将越来越强烈。所以，电影制作设计，即最佳艺术指导奖的地位是与国民整体文化素养与艺术审美水平牢牢挂钩的。

我们在这里可以笼统地把电影布景的创作水平分为三个层次：

第一层： 导演！我这屋子、幌子、帘子、家具都给您齐活了，您看这勉强能拍了吧？

第二层： 导演！我看了十多遍剧本，已经按照人物性格、剧情交代把布景的细节考虑透了。

第三层： 导演！我已经按你的要求加入了黑色电影的氛围与后现代的气质，您看这景怎样？

从小就开始接受艺术熏陶，成长路上早就接触了无数大片洗礼的美国观众，早就抛弃了第一层，甚至已经远远不满足于能把故事讲好的第二层布景水准， 而是开始从电影的视觉造型、文化隐喻、光影色彩中追寻更高的精神共鸣与情绪感动。

举个例子，1951年奥斯卡最佳艺术指导奖获奖彩色影片《一个美国人在巴黎》。美术监制 塞德里克·吉本斯 与美术指导 普雷斯顿·艾姆斯 将这个结合了法国画家浪漫爱情故事的音乐剧提升到了制作设计史上的里程碑高度。

受法国印象派画家 拉乌尔·杜菲 的启发，影片中的部分室内环境、室外广场结合了真实与绘画背景，打造了亦真亦幻的抽象艺术氛围。

观众不单单被剧情感染，也被高度的艺术创作所打动，这和欣赏大师画作时产生的情绪感受类似。有趣的是，1975年斩获奥斯卡最佳艺术指导奖的电影《巴里·林登》也创造了十八世纪油画般的气质氛围，但却是通过实景与细致的灯光调色实现的。

除此之外，有些电影则依靠冲破天际的视觉想象和奇观营造来打动要求越来越高的观众。

1977年的 《星球大战》 、2003年的 《指环王：国王归来》 、2009年的 《阿凡达》 这三部获得同年奥斯卡最佳艺术指导奖的超级大片让当时第一次坐在电影院的观众受到了视觉的强烈震撼，无论是酷炫逼真的“千年隼号”还是圣洁高耸的米那斯提力斯城、奇妙瑰丽的潘多拉星球，布景早已经超越了本身，将观众带入了另一个精神世界。

虽然美国整体的制作设计水准与职位地位建立在好莱坞碾压世界的创作能力之上，或得益于美国美术指导工会（ADG）、美国布景陈设师协会（SASD）的积极运作，但罗马不是一天建成的，在我个人看来，美国电影的制作设计发展在百年之间受到了以下6个因素的推动：

1、百老汇的积淀

2、大制片厂时代的崛起

3、建筑学的发展

4、装饰艺术运动的兴起

5、幻想艺术的流行

6、特效技术的升级

一切从电影诞生的源头说起....

20世纪初，那时候根本没有艺术总监甚至电影布景师的职位与培养学校，第一批的电影制作设计先驱主要由两拨人组成：来自 百老汇的舞台美术师 与来自 芝加哥的建筑设计师 。他们集结了包括画家、雕塑家、建造工人、装潢工人等在内的团队，一同前往南加州海岸边缘的一个当时还是一片荒芜的社区（未来的好莱坞），开始负责好莱坞早期黑白无声电影的制作。

最早的电影布景方式深受百老汇的音乐剧和舞台剧影响，在二维的木板（景片）上绘制图案，利用视觉错位营造空间假象。 布景师大量借鉴了剧院舞台设计，设计中没有摆脱墙壁彩绘背景与方盒子舞台的思维惯性。现在普遍认为1902年的电影《月球旅行记》的美术指导 乔治·梅里爱 是创造电影布景的第一人，是他开始利用更多实践技术尝试打破百老汇舞台布景传统的束缚。而历史上被认为第一个使用美术指导称呼的是剧院布景设计师 威尔弗雷德·巴克兰 。

经历了一段时间的更名与实践后， 美术指导（Art Director） 被确定为最适合代表这个新职业设计领导者的头衔。1910年代开始，好莱坞的电影公司纷纷建立了自己的专属制片厂，区别于如今的自由职业者的定位，当时的影视美术从业人员纷纷进入大厂上班工作，而制片厂的首席美术指导负责了整个公司部门的人才培养，监督 单元美术指导 （Unit Art Director）的布景、道具、陈设、搭建、特效等工作，并将自己的职位命名为“ 美术监制 （Supervising Art Director）。当然，后期实际参与电影制作设计的其实是单元美术指导，美术监制更多是挂名而已，这是后话了。

奥斯卡最佳艺术指导奖最早设置于1927至1928年间，但在此之前，导演 格里菲斯 的《一个国家的诞生》、《党同伐异》与 威廉·卡梅隆·孟席斯 作为美术指导的奥斯卡最佳艺术指导奖影片《巴格达窃贼》都用大规模的三维实景创造了气势壮阔的场面。

同时，建筑学的浪潮开始影响电影布景的创作。1920年的《卡利加里博士的小屋》与1927年的科幻片《大都会》都受到了 德国表现主义 的影响， 装饰主义运动 的兴起更是让建筑室内的Art Deco风格席卷了整个好莱坞。

装饰主义运动不单单影响了欧美。在20世纪20年代末与30年代初，上海作为国际化大都市完全紧跟着时代潮流，老外滩与南京路至今还保留了装饰主义建筑的传世经典， 可惜抗战的爆发让中国的建筑学与电影制作设计的发展被扼杀在了摇篮中。

可能很多人不知道， 威廉·卡梅隆·孟席斯 作为制作设计最伟大的先驱最早毕业于耶鲁大学艺术与建筑学专业，同时具备建筑学专业知识与绘画能力的他开始运用无数的水彩效果图与故事板草图来控制三维实景的搭建，精确把控镜头下的色调与氛围。

整个大制片厂时代，也是拥有建筑学背景的美术指导大放异彩的时期。

塞德里克·吉本斯 从小深受爱尔兰建筑师父亲的影响，作为米高梅制片厂的美术监制甚至将自己的部门称之为“architectural and engineering department”。他也是将 装饰艺术运动 带入好莱坞电影的先驱。在参观了1925年巴黎国际艺术博览会和现代艺术博物馆之后，吉本斯将Art Deco装饰艺术带回好莱坞，形成了自己独特的直线条为标志的装饰艺术内饰风格。

其外，雷电华电影制片厂的美术监制 范·内斯特·波格拉斯 在纽约学习了建筑和室内设计，为电影开创了混合了装饰艺术风格、现代流线、新古典的 "Big White Set"风格。

派拉蒙的美术监制 汉斯·德雷尔 在慕尼黑学习了建筑学，并通过自己的美术部门培养了整整一代的制作设计大师，当然，他们之中的一部分也拥有建筑学背景，比如 亨利·巴姆斯泰德、罗伯特·博伊尔。 此外，华纳兄弟的 安东·格洛特 曾在德国学习过艺术、室内设计、插画。他利用沉重的建筑空间，低矮的拱门，阴沉的色彩和对比强烈的阴影奠定了 黑帮电影 的视觉风格，并影响了未来的 黑色电影 。

20世纪30年代是美国社会经济大萧条时期，作为逃离现实的“精神鸦片”，好莱坞电影进入到了新的繁荣年代。

哥伦比亚电影公司 的美术监制 斯蒂芬·古森 在底特律以一名 建筑师 的身份开始了他的职业生涯 ，其为电影 《消失在地平线》 中设计的名为“香格里拉”的乌托邦建筑受到了 弗兰克·劳埃德·赖特 与佛教建筑的影响。

以此同时，为了远离现实， 幻想艺术 题材的小说与设计开始进入到电影内容当中。1936年的《科幻双故事片》（ Things to Come ）涉及到了未来主义地下城市设计，制片人 亚历山大·柯尔达 据说最早邀请 建筑学大师勒·柯布西耶 来设计布景，被拒绝后才找到了孟席斯。

另一方面，1939年的《绿野仙踪》在彩色电影技术尚未成熟的情况下，开始了早期 视觉特效技术 的尝试，运用摄影机与物理道具营造出的假象，拍摄了一些列奇幻剧情，比如为电影中的龙卷风场景设计一只巨大的风袜来模仿龙卷风。此外，以科学怪人 弗兰克斯坦 为代表的 哥特恐怖片 与以 卓别林 为代表的 无声喜剧片 都或多或少尝试了新的特效拍摄方式。

早在20世纪30年代末，作为电影《乱世佳人》美术指导的 威廉·卡梅隆·孟席斯 就因其在电影中的视觉把控力与项目管理获得了 制作设计师 （Production Designer）的崭新头衔，这个头衔在大制片厂时代结束后陆续开始被独立制作电影团队使用，将统领电影大美术部门与创意部门的主管统称为 艺术总监 （Production Designer的中文称呼）。美术指导开始用来称呼艺术总监的副手角色。

好莱坞在整个1940s受到了第二次世界大战的影响，内容更多关注在侦探悬疑、战争犯罪等题材中。这个时期以 黑色电影（Film noir） 的诞生为标志，希区柯克的《蝴蝶梦》初露锋芒，如雷贯耳的《卡萨布兰卡》、《公民凯恩》横空出世。为了向 弗兰克·劳埃德·赖特 致敬，并赞颂现代建筑十年来的新国际风格，1949年的电影《源泉》中，加里·库珀扮演了典型的特立独行的建筑师霍华德·罗克。他被委托设计一个代表未来样貌的建筑，这个建筑被称为恩赖特之家。

20世纪50年代，法律开始废弃院线的垄断，好莱坞制片厂系统开始走向没落，土地与制片厂设施纷纷被变卖。 电影美术部门陆续过渡到了自由职业的状态，而艺术总监（Production Designer）开始取代美术监制（Supervising Art Director）。1950年的黑色电影《日落大道》预示了好莱坞衰落的事实，但也昭示着 希区柯克时代 的正式开始。 阿尔弗雷德·希区柯克 被誉为最会用建筑拍电影的导演，美术布景师出身的他用《迷魂记》、《后窗》、让我们看到了楼梯、门窗、扶手们的“演技”。

而作为派拉蒙美术监制 汉斯·德雷尔 的门徒—— 亨利·巴姆斯泰德 曾在加利福尼亚大学学习艺术和建筑学，这也为日后担任《迷魂记》的艺术总监奠定了基础。

相同的是， 汉斯·德雷尔 的另一个爱徒—— 罗伯特·博伊尔 同样在加利福尼亚大学学习过艺术和建筑学，同样与希区柯克在《西北偏北》《群鸟》中进行了合作。在《西北偏北》中，最壮观的场景之一是由詹姆斯·梅森扮演的恶棍 菲利普·范达姆之家 。为了向弗兰克·劳埃德·赖特的 流水别墅 致敬，且满足几个特定的拍摄视线穿越要求，博伊尔用心设计了这栋房子。据说剧组一开始找赖特设计，可惜设计费太高了。

另外，西部片开始抬头，1952年的《正午》、1953年的《原野奇侠》、1956年的《巨人传》奠定了西部片美术设计风格，但1959年的 战争史诗片《宾虚》 抢尽风头，不但影响了诸如《角斗士》、《指环王》等大片的创作基调，还斩获了次年的奥斯卡最佳艺术指导奖。

《宾虚》的影响带到了20世纪60年代，一部1962年的 《阿拉伯的劳伦斯》 再次定义了战争史诗片的豪华制作设计方式。毕业于 北伦敦理工学校 （现伦敦城市大学）建筑学专业的 约翰·博克斯 担任了本片的艺术总监，并在阿尔梅里亚附近干枯的河床之上实际建造了由300座建筑组成的亚喀巴城。

当然，论布景的烧钱方式没人比得上1963年版的《埃及艳后》，虽然它与《阿拉伯的劳伦斯》分别斩获了两年间的奥斯卡最佳艺术指导奖，但真材实料大规模建筑工程与华丽服饰差点让投资的二十世纪福克斯破产。

有人说，60年代是属于电影大师中的大师 斯坦利·库布里克 的。一部《奇爱博士》，为未来冷战时期007系列电影奠定基调的同时，也让毕业于伦敦大学巴特莱特建筑学院的艺术总监 肯·亚当 设计出了被斯皮尔伯格赞誉为“至今设计过的最好的场景”的战争室。而《2001太空漫游》，在科幻片的影响力早已不言而喻。

好莱坞大制片厂系统在60年代正式消亡，而幻想艺术在60年代末则开始蓄势待发。 1968年的《人猿星球》虽然特效笨拙，但仿佛在向观众暗示：幻想的大门即将开启，你们准备好了吗？

20世纪70年代，好莱坞的“大片”时代正式来临，黑泽明的三位迷弟 史蒂文·斯皮尔伯格 、 弗朗西斯·福特·科波拉 、 乔治·卢卡斯 分别用《大白鲨》、《教父》系列、《星球大战》系列为观众带来了前所未有的视听体验。

《教父》1和2令人难忘的外观是由著名艺术总监 迪安·塔瓦拉里斯 精心设计的，他以其非凡的年代设计和色彩运用来传达电影的基本主题，并与摄影师 戈登·威利斯 共同把控了黄色、琥珀色和饱和棕褐色色调的室内场景，使之看起来具有四十年代纽约质感。对于室外布景，则使用更明亮，更生动的颜色，以营造一个轻松愉快的氛围。《教父2》获得了奥斯卡最佳艺术指导奖。

当然，《大白鲨》、《第三类接触》与《星球大战》系列在特效技术的推动上为制作设计提供了更加广阔的空间。 虽然还是以物理特效为主，但 幻想艺术 开始以 概念设计 的方式进入到电影制作当中。越来越多的电影已不满足于拍摄现实或历史的城市空间，科幻和奇幻类型电影成为了艺术总监们“新画布”。

二十世纪八十年代是美国经济繁荣的标志时期，英雄主义动作冒险电影成为了娱乐大片的宠儿。 利用刚升级换代的特效技术，“汉·索罗”成为了斯皮尔伯格《印第安纳·琼斯》系列的绝对主角。乔治·卢卡斯继续引领者他的概念艺术团队带来了《帝国反击战》与《绝地归来》，但所有科幻电影在制作设计领域的光芒完全被雷德利·斯科特的开创性杰作 《银翼杀手》 盖过了。这部电影以2019年洛杉矶腐朽黑暗的未来工业城市为背景，催生了“赛博朋克”和“未来主义黑色电影”类型，同时也是通过电影建筑来隐射社会发展矛盾，探讨未来城市问题的典型科幻片代表。

当然，除了幻想题材电影，可能受到了70年代《巴里·林登》的影响，同样描述贵族历史生活题材的《莫扎特传》、《末代皇帝》、《危险关系》都在80年代收获了奥斯卡最佳艺术指导奖。

好莱坞的20世纪90年代是一个多产的十年。 幻想艺术被《剪刀手爱德华》带入了一个新的黑暗童话世界。随着电脑而日新月异的特效技术在《侏罗纪公园》、《黑客帝国》中开花结果，但斯坦·温斯顿工作室制作的物理特效依然强大。当然，特效界的领航员詹姆斯·卡梅隆的《泰坦尼克号》奠定了21世界好莱坞在海外市场的摧枯拉朽之势。

20世纪末，建筑学开始走向沉寂，没有上半叶大师们的集体爆发，但电影中依然留有现代主义的余温。1991年的《与敌共眠》中 道格·克兰纳 设计的海边别墅通过开放的客厅与落地玻璃、地面的强烈反射传达出屋内女主人的不安定之感。《洛城机密》的艺术总监 珍妮·奥佩瓦尔 用建筑师理查德·内特拉的房子作为主角在洛杉矶的家，而纽约也正在变成现代戏最热门的建筑拍摄地。16岁离家到罗马学习美术和建筑的艺术总监 丹蒂·费雷蒂 为《纯真年代》设计的19世纪贵族室内布景，无不透露着扎实的基本功与老派建筑院校的素养。

进入21世纪后，大家也开始对好莱坞的电影耳熟能详了，这里只作一个简单的介绍。

大IP伴随着电脑特效技术的成熟，为我们带来了《哈利波特》与《指环王》的世界，幻想艺术进一步多元化、类型化。 技术控詹姆斯·卡梅隆用《阿凡达》再次打开了观众们的想象视界，也为动作捕捉和视觉预览技术铺平了道路。

美国百老汇的百年积淀并没有散去，它化作好莱坞经典的音乐歌舞片代代相传。 2001年《红磨坊》、2002年的《芝加哥》的奥斯卡最佳艺术指导奖就是对歌舞片最好的赞礼。

《潘神的迷宫》、《理发师陶德》、《爱丽丝漫游仙境》，黑暗童话在幻想艺术制作设计领域集体爆发，电影布景的审美价值得到了充分的体现。

随着软装设计概念的进一步普及，电影的布景陈设师在《穿普拉达的女王》、《恋爱假期》、《爱恨复杂》里或时尚现代或复古经典的设计反过来引领了诸多观众的家居审美。

一口气不知不觉写了那么多，其实也算是对这几年来电影市场和电影美术领域的个人感想和总结吧，希望2019年越来越好，中国电影越来越好。