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芭蕾（ballet） 芭蕾形体 上海国际芭蕾舞比赛 戏剧 芭蕾
耍酷的沙滩裤
2 年前
芭蕾舞（ 意大利语 ：balletto；法语、英语： ballet ），是一种欧洲古典舞蹈，芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。芭蕾舞是用 音乐 、 舞蹈 手法来表演戏剧情节。
芭蕾舞孕育于 十四世纪 意大利 文艺复兴 时期，降生在十七世纪后期 路易十四 的法国宫廷，并开始在法国发展流行并逐渐职业化，十八世纪在 法国 日臻完美，到十九世纪末期，在 俄罗斯 进入最繁荣的时代。芭蕾在近五百年的持久历史成长过程中，对世界 列国 影响很大,传布极广，已成为世界列国都全力成长的一种 艺术形式 了。
1、一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地 民间舞蹈 的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统 舞蹈艺术 。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的 足尖鞋 用脚趾尖端跳舞
2、舞剧最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、 哑剧 、 舞台美术 、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称 古典芭蕾 （或古典舞剧）。20世纪出现了 现代舞 以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称 现代芭蕾 。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在 舞蹈风格 、结构特征、 表现手法 等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。
3、在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个 音乐作品 的理解等等，这些也称为芭蕾。
”起源于 意大利 ，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。
ballet一词，源于古 拉丁语 ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。
芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲 文艺复兴 鼎盛时代的意年大宫廷，及 法国南部 的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。
芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的 芭蕾音乐 。
在皇家舞艺巨匠博尚（Beauchamp）和音乐家贝弗（Cambefort）及吕利（Lully）的鼎力倡导下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的主要性年夜增。于是芭蕾酿成了良多新的 宫廷舞 的来历;诸如: 加沃特舞曲 （Gavotte）、巴斯皮耶舞曲（Passe pied ）、布雷舞曲（Boree）、 里戈东 舞曲（Rigaudon）等。在这些舞曲之中，最主要的要算 小步舞曲 （Minuet），吕利于1653年，起头加入法国宫廷的芭蕾勾当，而达到高涨。他那时正与莫利哀（Moliere）合力建造戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（Comedie Ballet）。
1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本 脚位 和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。
1760年揭晓的《小绅士》（Le Bourgeois Gentilhomme），可算是这类舞剧最闻名的代表作。吕利又把芭蕾应用于他所作的歌剧中，他的两位后继者 康普拉 （Campra）和拉莫（Rameau）也如法炮制。
尤其是拉莫的作品，因同化有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富滑稽。这当然和他的个性与布景有关。英国方面又缔造一种非凡的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。到了17世纪后半期， 维也纳 已成为芭蕾表演的中心。然而那时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“刷新”的争论，“严酷”与“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”与“问题舞艺”的争论，以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。这些不美观念在21世纪的今天，多多少少还有它的余波，时而争论不休。
年夜1789年起头，呈现了《 关不住的女儿 》等一批早期（又称前浪漫时代）芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪，先后在巴黎呈现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《 仙女 》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《 葛蓓莉娅 》（1870）为代表的传世之作，然后在 俄国 进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时代，留下了以《睡佳丽》（1890）、《 胡桃夹子 》（1892）和《 天鹅湖 》（1895）这“三年夜舞剧”为首的一多量经典剧目，年夜催促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的不美观念。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的， 宫廷作曲家 J.B.吕利 在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串 舞蹈表演 ，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G. 诺韦尔 是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《 舞蹈与舞剧书信集 》中首次提出了"情节芭蕾"的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。
绘画《天鹅湖边的芭蕾舞者》吴玉阳作
在芭蕾发展史上，主要有两种 美学观点 一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导 博若耶 认为芭蕾是“几个人在一起跳舞的几何图案组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的 形式美 ，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪 中叶 以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是" 戏剧性 舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为 保留剧目 经常上演。20世纪以来，各种 文艺思潮 对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。
创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据 文学剧本 （或一个故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或 舞蹈结构 ，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇）——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些 基本条件 ，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用 古典舞 、性格舞（舞台化的民族舞蹈和 民间舞 蹈）、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾（分场或不分场，如《 天鹅湖 》）、独幕芭蕾（如《仙女们》）、芭蕾小品（如《 天鹅之死 》）等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。
古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由 艺术总监 、编舞、舞者、 灯光音响 、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。
如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：
1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲coda双人快板，主角 艺术素养 与技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
《芭蕾艺术》 陈玉先
用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的 芭蕾舞鞋 是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。
芭蕾舞鞋 能够承受的巨大的 荷重 可以跟 足球鞋 承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的 安全系数 。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。
俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从 非洲 到 墨西哥 ，在三十多个国家受到欢迎。
芭蕾舞鞋鞋尖用生产 紧身胸衣 的面料，例如缎子缝制而成。“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。
芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“ 鞋盒 ”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头、塑料、 软木 等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。
鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄 平顺 。当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持
平衡。最后，让 舞鞋 在 摄氏 50度的条件下晾干，存放在室温下。一双芭蕾舞鞋准备好了！一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是 大剧院 的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《堂吉诃德》里跳了9场。
为了适应不同高度的脚面， 芭蕾舞鞋 总共有3种型号：“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……
俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。
还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。通向舞台的道路打通了！
至于男演员，穿所谓的 软鞋 ——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其 生产工艺 跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。软鞋分两种：整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成：鞋前部和 脚后跟 。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。
舞鞋的绑法也很有讲究：通常是把丝带先在腿上绑两圈再系 蝴蝶结 。由于表演时不可以绑丝带，所以演员们在上台之前，都要把 鞋带 绑得很紧。
所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种 基本舞姿 ：如阿拉贝斯（arabesque）、阿提秋（attitude）和伊卡特（ecarte）；腿部技巧：各种巴特芒（battements）－－包括腿的伸展、打开以及ronddejambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及泼德布拉（portdebras）等。古典芭蕾的这些 基本动作 （元素），就像字母一样，编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的 舞蹈语汇 来表达剧情，创造出各种富有 艺术魅力 的 舞蹈形象 。
脚部的五个基本位置：
第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度；
第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上；
第三位：两脚跟前后重叠放置， 足尖 向外张开；
第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转；
第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转；
手部基本位置：
1.瓦卡诺娃派（ 俄国 派）
第一位：双手在正面的腹前成自然圆；
第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内， 手心 向内；
第三位：双手上举在头上方的视线内；
2.却革底派（意大利派）
第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置；
第二位：双手在旁侧伸；
第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸；
第四位：一手在身体前与 横隔膜 保持相同的高度，然后同时上举在头的上方。（在做这些动作时，臀部不得扭动，不然会被认为失礼，不优雅）
舞蹈者穿的都是专门设计的服装，对于他们而言， 练功服 绝不仅仅是为了漂亮，它们中每一件都非常实用。最基本的要求，是要具有保护，塑身的作用。
紧身裙衣和紧身白色 裤袜 是舞蹈者在练功室最常用的基本练习服，而穿紧身的 舞蹈服 是为了保护体型，一般的芭蕾舞练习服是连体的。棉和 莱卡 的结合会同时保有穿着的舒适和足够的弹力。
发式也是 舞蹈服饰 的一部分。跳芭蕾的女士们喜欢把头发在脑后挽成一个髻原因是马尾及其它发型会影响到练习和演出，而且不盘起来会变成一种负担。
芭蕾舞鞋 是最重要的。在练足尖前，用柔软的薄皮革或帆布制成的芭蕾软鞋是练功时的必备。女孩子一般爱穿粉色，男孩子穿黑色或白色。鞋子须以较紧地包住脚为宜。带硬头的足尖鞋，须非常合脚才行。据了解，芭蕾舞鞋能够承受的巨大荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖硬，利于进行完成各种直立的动作，但是在穿芭蕾鞋前要带上脚套；这样加大了相当大的安全系数还能够减轻疼痛。
舞衣
一、古典式芭蕾舞衣
1、由路易十四时期的芭蕾裙衍化的涂突（tutu, 意大利语 ）裙，裙子的长度不超过膝盖，是短式的，有多层丝布，晃动时大腿露出不到四分之三，不过袖子有 无袖 的，长袖的， 灯笼袖 等；
2、纯白色 古典芭蕾 舞衣，例如《天鹅湖》中的白天鹅；
3、全黑或鲜红，前者例如 《天鹅湖》 中的 黑天鹅 ；
4、 灯笼袖 配背心，例如《柯贝莉亚》第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚；
5、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之；
6、上下色彩不同的芭蕾舞衣，
二、浪漫派芭蕾舞衣
它的裙子几乎到 脚踝 附近，成 吊钟 型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。
1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣，例如《四人舞》《玫瑰花精》；
2、扮妖精时，在手臂上或肩上加 薄纱 的衣饰例如《吉赛尔》第二幕，《仙女》舞剧
3、村姑式舞衣，背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如《吉赛尔》第一幕，《柯贝莉亚》第一幕，《风流女儿》舞剧。

芭蕾舞 社交舞

亦称舞会舞（ballroom dance）泛指欧洲 文艺复兴 以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和 舞蹈表演 顺序多为因循 意大利 、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。
布朗特、 小步舞 、 加沃特 、波洛奈兹、 连德勒 、 波尔卡 、 马祖卡 、 加洛普 、 华尔兹 曾先后风靡过欧洲各国宫廷。 法国大革命 以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在 欧洲大陆 应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为 社交活动 中的主要场所。舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐， 社交舞 因而很快融入了平民阶层的 文化生活 。

芭蕾舞 芭蕾

法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式；或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、 心理状态 和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。 ballet 一词源于古代拉丁语ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台 艺术形式 ，始见于 文艺复兴 时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由 佛罗伦萨 公主——美第奇的 凯瑟琳 将这一舞蹈形式带入了法国宫廷。1581年，法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年 法国国王 路易十四 在 巴黎 创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了 歌剧院 ，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶，“ 情节舞 ”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。受 浪漫主义 文化思潮 影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重 民族精神 和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、 俄罗斯 学派和 丹麦 学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在 欧美 各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。

芭蕾舞 群舞

（group dance）舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“ 集体舞 ”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一， 配合默契 ，因而具有丰富的 艺术表现力 。（1）有独立的内容和主题，情节完整的 舞蹈作品 。 中国舞蹈 《摸螺》 《草原女民兵》《 葡萄架下 》，俄罗斯《小白桦树》， 朝鲜舞 蹈《在泉边》《 摘苹果的时候 》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。（2）在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》、 《天鹅湖》 等芭蕾场面中的独舞和双人舞。（3）舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《 红色娘子军 》中的“女战士舞”、“ 斗笠 舞”， 俄罗斯芭蕾 《天鹅湖》中的 天鹅舞 等等。
在很多人的脑海中，芭蕾就是王子与公主的凄美爱情，是柴科夫斯基的不朽音乐，更是足尖跳跃出的高贵舞步。看了那么多个版本的《天鹅湖》，中国人开始用自己的智慧重新诠释这一芭蕾经典，于是诞生了杂技芭蕾舞剧《 天鹅湖 》。摆脱舞台地面的束缚似乎是杂技芭蕾最大的突破，演员们可以解放双腿，表演更多更复杂的动作。比如钢丝芭蕾，一群猴子在钢丝上翻腾打转，跳跃前进，展示了芭蕾自然活泼可爱的一面。
由于杂技演员有着比芭蕾演员更柔软的身段，因此可以突破更大的肢体局限，他们可以环绕成一圈钻进环心圈内，当作王子马车的车轮，可以缠绕在树上用 柔术 表演一段宛如 游蛇 的蛇舞芭蕾，可以用 蹦床 表现 波涛汹涌的大海 。而穿上轮滑的天鹅芭蕾群舞，则因为比传统芭蕾更为流畅的步伐，给观众强烈的 视觉冲击 ，也因为速度的改变更精确地配合上了柴科夫斯基明快紧凑的旋律。
杂技芭蕾舞剧《 天鹅湖 》，其原型是在世界上闻名遐迩的《东方天鹅—对手顶》。这一夺得过世界杂技最高奖——摩纳哥蒙特卡罗国际杂技比赛“ 金小丑奖 ” 的节目，将作为全剧的主线，分别贯穿于第二、三、四幕，其中超高难度的“ 肩上芭蕾 ”，所收获的掌声更是上千次掀翻世界各大剧院的屋顶。“肩上芭蕾”是“白天鹅”在没有任何 安全措施 的情况下，轻灵飘逸地在“王子”的肩膀和头顶上单足起舞，并且在“王子”的肩背、头顶之间穿梭来回，托举抛翻，一时间缠绵缱绻的意韵充满舞台。
作为杂技芭蕾舞剧《天鹅湖》的标志性看点，“肩上芭蕾”于2013年6月18日应 瑞典 国会的邀请，亮相瑞典维多利亚公主盛大的婚礼庆祝晚会。当杂技芭蕾舞剧《天鹅湖》中这对东方面孔的“王子”与“白天鹅”，跳出“肩上芭蕾”时，天衣无缝的表演令在座的 瑞典王室 成员、官员及欧洲各国领导人惊叹不已，赢得了整场婚庆晚会最长久的掌声。

芭蕾舞 浪漫主义芭蕾

浪漫主义芭蕾 是芭蕾发展史上“黄金时代”，在 舞蹈技巧 ，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《 仙女 》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《 海盗 》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、 布农维尔 、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下：
1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和 古代 英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和 现实主义 相结合的现象。
2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。

芭蕾舞 俄罗斯芭蕾

随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节的芭蕾舞步入剧场，演出了带有 社会生活 内容的舞剧。
十九世纪， 浪漫主义思潮 亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾 舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女花神、精灵鬼怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了 短裙 ，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及表达追求与渴望的情绪。
19世纪下半叶欧洲 浪漫主义芭蕾 走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的 教学活动 ，向俄国舞蹈界传授了 法兰西 、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《 睡美人 》、《 胡桃夹子 》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了 彼得堡 。特别是柴科夫斯基的音乐，给 舞剧音乐 带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响 性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了 舞蹈诗 的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承 浪漫主义芭蕾 传统的同时体现了俄国现实主义传统。
20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据 主导地位 ，拥有自己的保留剧目，表演风格和 教学体系 ，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。 戈尔斯基 和 福金 就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为 佳吉列夫 芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的 永久性 剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国， 利法尔 在法国， 德瓦卢娃 在英国， 巴兰钦 和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。

芭蕾舞 当代芭蕾

1929年末， 利法尔 成了 巴黎歌剧院 芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要 舞蹈演员 ，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《 巴黎圣母院 》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《 火鸟 》是一个最别致的作品。 巴黎歌剧院芭蕾舞团 的保留剧目还有《吉赛尔》、《 葛蓓莉娅 》、《西尔维娅》等。
英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在 皇家剧院 担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、 苏格兰芭蕾舞团 。
美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任 艺术指导 和主要编舞家，副艺术顾问是 杰罗姆·罗宾斯 。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、 马辛 、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。
丹麦 皇家芭蕾舞团是丹麦 民族传统 的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在 哥本哈根 以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。
20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和 福金 。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。
在俄国， 十月革命 后，高尔斯基坚持戏剧的 表现性 ，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《 红罂粟花 》，是俄国第一部 英雄主义 的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和 乌兰诺娃 首次登台，新创作的舞剧注重 戏剧结构 ，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。
从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类 文化遗产 的重要部分，成为世界性的艺术， 五大洲 的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术 繁华似锦 ，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和 交响芭蕾 等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。
皇后喜剧芭蕾
如果说1581年法国《皇后喜剧芭蕾》的上演，一直被视为芭蕾舞剧之初始——雏形的话，芭蕾在中国的传播与发展几乎晚了3个多世纪。不过，起步虽晚，却是飞跃前进。
20世纪初，曾有外国的芭蕾舞团来中国演出，但规模有限。此后，陆续有俄侨来中国开办业余私立芭蕾舞学校，以上海、天津、 哈尔滨 等地较有影响——对中国的芭蕾 启蒙教育 有积极作用。毋庸置疑，芭蕾舞剧在中国的真正兴起和发展，也是在 中华人民共和国成立 之后，这与中国政府对一切具有世界意义的优秀文化艺术都采取积极吸纳、支持的基本方针具有密切的关系。
最初，对 中国芭蕾 具有影响力的是俄罗斯学派。从54年2月第一位 苏联 专家奥·阿·伊莉娜（O·A·YEALINA）应邀来京开办第一期“教师训练班”起，到58年中国上演第一部经典芭蕾舞剧《天鹅湖》，中国芭蕾实现了 初创期 的神速“3级跳”。在此期间，谙熟芭蕾艺术的 戴爱莲 也发挥了重要作用。
第一期“教师训练班”的学员（大都接受过一定的芭蕾训练），以半年的时间，奇迹般的完成了苏联舞蹈学校1-6年级的 教学大纲 ，通过严格的考试全部合格。他（她）们成为同年创建的北京舞蹈学校，芭蕾专科的教学骨干。此后，在实践中不断提高，成长为真正的芭蕾教育家——培养出一批又一批优秀人才。实现“3级跳”的重要举措是边训练，边实践演出。这一时期常有著名苏联芭蕾艺术家来华演出，精湛的表演吸引了众多的观众，中国人逐渐熟悉、喜爱起这门艺术。
1957年在查普林的指导下中国首次完整的上演了一部芭蕾舞剧——《 无益的谨慎 》（LA FILLE MAL GARDEE），它是18世纪末让·多贝瓦尔的作品，具有现实主义的风格，适宜于当时中国芭蕾舞演员的实际水平，通过演出使队伍得到了提高。
1958年10月在古谢夫的指导下，北京舞蹈学校集中全力，成功的上演了世界著名经典芭蕾舞剧《天鹅湖》（奥杰塔扮演者 白淑湘 ）（SWAN LAKE）全剧，引起国内外强烈反响。通过严格排练，高速度地造就了一支具有多方面人才的芭蕾舞剧队伍。如今，《天鹅湖》已在中国“落户”——成为对观众最有 号召力 的芭蕾剧目。59年底，北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团成立，这是中国有史以来第一个专业芭蕾舞团。次年，上海成立了与北京建制相同的舞蹈学校，也承担起培养专业芭蕾人才的任务，从此北、南遥相呼应，努力开拓芭蕾事业的新局面。继《天鹅湖》之后，59、60年，在古谢夫的指导下，又陆续成功地上演了《 海侠 》（LECORSAIRE）、《吉赛尔》（GISELLE）年轻的中国芭蕾队伍承担这两部风格不同的著名芭蕾舞剧已显得比较从容。
这一时期中国派出了 蒋祖慧 （1934-）、 王锡贤 （1933-）等先后到莫斯科国立戏剧学院舞剧编导系进修，成绩都很优异。回国后，蒋祖慧推出了她的毕业作——《西班牙女儿》根据文艺复兴时期欧洲著名作家洛贝·德维加的著名 诗剧 《 羊泉村 》改编，1961年天津 歌舞剧 院首演；王锡贤在北京指导上演了他的毕业作《 泪泉 》（THE FOUNTAIN OF BAKHCH I SARAY），根据俄罗斯诗人 普希金 的著名长诗改编，北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团首演。
1963年，中央歌剧舞剧院成立，学校附属的芭蕾舞剧团结束了其实验阶段，归属了国家级剧院。不久，蒋祖慧又执导了一部著名芭蕾舞剧——《 巴黎圣母院 》（NORTRE－DAME DERARIS）根据法国著名作家雨果的同名小说改编，中央歌剧舞剧院首演。……短短10年间，中国的编导、演员基本上已可独立驾驭经典芭蕾舞剧的创作、排练、舞台演出了。
从64年起，开始了中国芭蕾舞剧的创作实践。事实上第一代芭蕾舞剧编导，大都是从学习 民族舞 蹈转向芭蕾专业的，他（她）们的民族 文化背景 ，无疑有助于芭蕾舞剧民族化的探索。大型中国芭蕾舞剧《 红色娘子军 》（THE RED DEPACHMENT OF WOMEN）的上演，虽不是严格意义的“首开记录”，（在此之前，已有过不同类型、不同规模、不同成效的芭蕾民族化探索）却可以说是第一部最成功的大型中国芭蕾舞剧——从内容到形式都具有鲜明的中国风格、中国气派。
红色娘子军芭蕾舞
《红色娘子军》1964年首演，编导：李承祥、王锡贤、蒋祖慧；作曲： 吴祖强 、 杜鸣心 等；首演者：中央歌剧舞剧院，女主角： 白淑湘 饰琼花；吴静珠饰连长；男主角： 刘庆棠 饰 洪常青 ； 李承祥 饰 南霸天 ；主要女配角： 赵汝蘅 饰琼花战友； 万琪武 饰老四。它是根据同名 电影改编 而成。讲述中国第二次革命时期的故事：受尽折磨的琼花，因不堪忍受地主南霸天的压迫，逃离虎口，巧遇红军党代表洪常青，经过他的引路，琼花参加了娘子军，历经磨练和考验，成长为卓越的革命战士。洪常青牺牲后，她接过 红旗 英勇向前。这部舞剧以震撼人心的悲壮情节，恢宏绚丽的场面，鲜明的人物形象以及 海南岛 的地域风情，从它诞生起，就赢得多方好评。它在芭蕾舞台上破天荒地塑造了英姿飒爽的“穿 足尖鞋 ”的中国娘子军形象，将芭蕾的精华与中国的气派融为一体，为世界芭蕾舞坛增添了一朵奇葩。
由 胡蓉蓉 （1929-）、 傅艾棣 （1936-）、 程玳辉 （1932-）、林秧秧（1939-）创作的《 白毛女 》，与《红色娘子军》同期出台，平分秋色，它是中国芭蕾舞剧的又一成功探索。
《白毛女》（THE WHITE HAIR GIRL）1965年首演，作曲： 严金萱 ；首演者： 上海芭蕾舞团 ；女主角： 蔡国英 （A）、 茅惠芳 （B）饰 喜儿 ；顾峡美（A）、 石钟琴 （B）饰白毛女；男主角： 凌桂明 饰大春；主要男配角： 董锡麟 饰 杨白劳 。它根据同名歌剧改编，讲述贫苦农民的女儿——喜儿，被迫卖给 恶霸地主 黄世仁 抵债，不堪凌辱，逃入深山。长年风餐露宿，头发变成了白色，不知情者称其为“白毛仙姑”——（鬼）。最后她被八路军所救，与年轻时的恋人——已是八路军战士的大春团聚。歌剧《白毛女》以“ 旧社会 把人逼成鬼，新社会把鬼变成人”的真实故事，感动了中国千千万万的老百姓。
这部芭蕾舞剧并未因循于原作——走捷径，而是根据芭蕾艺术特点，进行了再创造。它巧妙地运用了中国古典、民间舞的素材，以写实与浪漫相结合的方法将剧情予以芭蕾化的展现。对于剧中主要人物诸如：喜儿的纯真、甜美和变成“白毛女”后的坚韧、刚毅；大春的朴实、敦厚及参军后的英勇、干炼以及黄世仁的阴险、毒辣……等都刻划得比较鲜明、生动。
《红色娘子军》与《白毛女》，在中国芭蕾舞剧发展史上具有里程碑的作用。它们是“洋为中用”更深层次的实践，以其独有的中国特色自立于世界芭蕾艺术之林。 集体智慧 弥补了经验不足，使芭蕾中国化的探索，起点较高，起步很快。与其它舞蹈、舞剧作品的命运不同，这两部作品在“文革”中，被定为“样板戏”——是当时为数极少获准上演的两部舞剧。经受了时间与社会的检验，《红色娘子军》与《白毛女》依然葆有其艺术生命力。这两部作品都被确认为“20世纪经典”。文艺复苏期在芭蕾领域中的表现，首先是恢复西方芭蕾经典保留剧目的演出，使长期只见1“红”1“白”的广大观众，在久违多彩的芭蕾艺术之后，掀起了一阵《天鹅湖》的狂热。
新时期的中国芭蕾，展现出蓬勃发展的态势：
首先是以更开放的眼光，面向世界广泛吸收、借鉴，而不只局限于单一的俄罗斯学派的影响。从80年代初，陆续有来自英、法、德、 瑞士 、 加拿大 等国的著名芭蕾艺术家以友好交流的形式传授技艺。先后有芭蕾宿将安东·道林、著名芭蕾编导本·斯蒂文森（B·STEVENSON）等在 中央芭蕾舞团 指导排练了他们自己的作品：纯古典风格的男、女《四人舞》（TE－ PASDE QUIXOTE）、《前奏曲》以及著名芭蕾艺术大师巴兰钦（BALANCHINE）的《 小夜曲 》（SERENDE）等等，其中大部分已成为该团经常上演的保留舞目。
此外，十多年间，中国陆续上演了多部不同风格的西方经典剧目，如：1980年，由 巴黎歌剧院 芭蕾大师莉塞特·桑瓦尔亲自指导，中央芭蕾舞团演出了 法国浪漫主义 的著名芭蕾舞剧《希尔维亚》（SYLVIA）；1984年，由英国著名芭蕾艺术家贝琳达·赖特和尤里沙·捷尔考夫妇重新排练演出了安东·道林版的《吉塞尔》；1985年，在世界级芭蕾艺术家鲁道夫·纽利耶夫（R·NUREYEV）和芭蕾大师尤金·波里亚 柯夫 等亲自指导下演出了《唐·吉珂德》（DONQUIXOTE）；还有《柔密欧与朱丽耶》（ROMEO AND JULIET）（1989，罗曼·沃克执导）及《 睡美人 》（SLEEPING BEAUTY）（1994，麦克米伦MAC MILLAN版，莫里可·帕克执导）……均很成功。特别是纽利耶夫以自己无以伦比的精湛技艺和对戏剧人物的深刻理解，结合中央芭蕾舞团的实际，进行了严格训练，大大促进了演员水平的提高——在中国芭蕾舞史上留下了珍贵的一页。在上述诸多国际交流活动中，戴爱莲起到了很好的 桥梁作用 。与此同时， 北京舞蹈学院 坚持学习与实践相结合的好传统，陆续上演了《葛蓓莉亚》（1979）、《舞姬》（1981）；上海芭蕾舞团上演了《那波里》（又名《渔夫与新娘》）第3幕； 天津歌舞剧院 复演了《西班牙女儿》（1982）；此外，于1981年组建的 辽宁芭蕾舞团 推出了《海侠》（1983）。这不仅丰富了群众的文化生活，而且经过世界各国芭蕾权威指导演出纯正的古典芭蕾名作，使新一代芭蕾舞人才迅速成长。
1980年5月 汪齐风 （女、上海）参加日本 大阪 举行的第三届世界芭蕾舞比赛，获第十四名，为中国夺得了第一枚芭蕾舞奖牌。
1982年6月 汪齐风（女，上海）、张伟强（北京）在美国杰克逊国际芭蕾舞比赛中，获表演三等奖。
1984年11月首届巴黎国际芭蕾舞蹈比赛，汪齐风（上海）、王才军（北京）获巴黎歌剧院发展协会奖。
此后，中国选手频频参加各种国际芭蕾舞大赛，表现出较强的实力。比较突出的有：
1985年——第13届 洛桑 国际芭蕾舞蹈比赛， 李莹 （女，北京）获第一名， 徐刚 （北京）获第二名；
1985年——第5届莫斯科国际芭蕾舞蹈比赛， 唐敏 （女）获最佳表演技巧奖，张伟强、 赵民华 分别获男子双人舞和和单人舞第三名（均为北京选手）。
1992年——第5届巴黎国际芭蕾舞比赛潭元元（上海）获第一大奖；同年， 谭元元 又一举夺得第1届日本芭蕾国际比赛女子少年组金奖（中国 辽宁 的女选手于晓楠获同届少年组银奖）
2002年——第二十届瓦尔纳国际芭蕾舞大赛 吕萌 （辽宁芭蕾舞团）获得该届比赛的最高奖-评委会特设大奖
形体芭蕾 与专业芭蕾的区别
形体芭蕾是由芭蕾延伸而来的。健身方式的芭蕾，大家习惯称为形体芭蕾。专业的芭蕾训练是很枯燥的，而形体芭蕾则以健身为目的，难度较低，它不要求腿踢多直，脚抬多高，做得多么规范，它只是教会你如何把芭蕾特有的那种优雅内涵融会到自己的生活方式中。而且从 运动学 角度讲，芭蕾的“开、绷、直”三要素具有收缩 肌肉纤维 的功能，在动静结合的运动中有效地消耗多余脂肪，使人练后身材会变得更修长。因此虽然也有体力上的消耗，也是做运动，但它的动作更强调肌肉的耐力、身体的 柔韧性 ， 运动强度 不是很大，一般人都能接受。
儿童芭蕾 专业培训
◆Children's Academy Of Artistic Dance（CAAD）— 北京
◆淼晶昉（MJF）芭蕾舞蹈培训学校 — 南京
◆汪齐风芭蕾舞学校 — 上海
◆ 雅心舞蹈 — 上海
◆上海星芭蕾舞蹈 — 上海
中专芭蕾 专业院校
◆ 张丹丹 芭蕾舞蹈艺术培训学校 — 广州中专芭蕾专业院校
◆深圳艺术学校芭蕾舞专业
◆ 北京舞蹈学院 附属中等舞蹈学校
◆ 上海戏剧学院 附属舞蹈学校（上海舞蹈学校）
◆ 沈阳音乐学院 附属舞蹈学校
本科芭蕾专业院校
◆北京舞蹈学院
◆ 上海戏剧学院
◆ 沈阳音乐学院
硕士芭蕾专业院校
◆ 北京舞蹈学院
◆ 上海戏剧学院
博士芭蕾专业院校
◆ 中国艺术研究院

芭蕾舞 学习阶段

◆Stage1启蒙养成
以培养孩子的兴趣为主。学习要点在于后背的挺拔和腿部肌肉力量的训练，着重于小朋友脚踝、腿及膝盖收紧的正确方法，并力求保持后背挺拔、肩膀松弛。
◆Stage2初级阶段
以把杆为主，从初级开始就要对“开”、“绷”、“直”严格要求。若启蒙阶段基础比较扎实，那么此阶段这3个要求对于孩子来讲并不是很困难，但是还是要从不断反复的练习中理解这3个要求的意义。
◆Stage3中级阶段
此时便开始对学生的软开度提出了要求，若软开度不够，那么 难度系数 再大一点的动作，学生做起来便有了一定的局限性。对于着重于培养兴趣的业余学生来说不一定非要达到，但专业学生则一定要达到。
◆Stage4高级阶段
开始接触芭蕾舞剧中的芭蕾舞蹈片段，如变奏等。高级班的学生主要以培养 表现力 和增加放大 肢体语言 的张力，此时学生开始理解芭蕾中的美，一举一动中都带有美感，通过舞蹈来演绎生活中的美好事物。
欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。
传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或 衣帽间 那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《 仙女 》、《吉赛尔》、《 葛蓓莉娅 》这样一个人造仙境，进入《 睡美人 》、《 胡桃夹子 》、《 天鹅湖 》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下 节目单 ，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……
现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的 理性知识 来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。
这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？
1、 莫斯科 国际芭蕾舞比赛 （ Moscow International Ballet Competition）始于1969年，是最具权威性的国际芭蕾舞大赛之一，吸引了世界各地的参赛选手。许多芭蕾舞大师都是通过莫斯科国际芭蕾舞大赛走向世界的。比赛分成少年组和成年组两个年龄段，每个组别分独舞和双人舞进行比赛。大赛每四年在俄罗斯首都莫斯科举办一次。
2、瓦尔纳国际芭蕾舞比赛（Varna International Ballet Competition）始于1964年，是历史最悠久，也是举世公认影响最为深远的芭蕾舞赛事。大赛效仿 奥运会 模式，为各个比赛项目的男女选手设立了金牌、银牌和铜牌奖项。芭蕾舞界很多著名舞蹈家都曾是该大赛金牌得主，比如巴瑞辛尼科夫、萧菲·纪莲等，最初都是从这里获得国际认可的。大赛每两年在瓦尔纳举办一次。
3、法国巴黎国际芭蕾舞比赛 创办于1984年，是既有现代舞又有古典舞的比赛。中国选手在这项赛事中颇有斩获。在古典舞比赛中获奖的有 汪齐凤 、王才军等众多选手；在现代舞比赛中获奖的有乔扬、秦立明等。2000年的巴黎国际舞蹈比赛中，吴珍艳勇夺女子现代舞比赛金奖， 季萍萍 和付姝分别获得古典芭蕾比赛成年组女子金、银奖， 方仲静 也获得少年组奖金最高的努里耶夫基金会奖。
4、美国杰克逊国际芭蕾舞比赛 创办于1976年，每四年举办一次，是世界上最重要的芭蕾舞大赛之一。
5、 瑞士 洛桑 国际芭蕾舞比赛 由总部位于瑞士洛桑的”舞蹈 艺术基金会 ”为年轻芭蕾舞蹈人才举办的 国际比赛 。每年年初进行的一项针对15-18岁芭蕾 专业学生 的传统芭蕾赛事.
6、 日本名古屋 国际芭蕾舞比赛 日本名古屋国际芭蕾舞与现代舞大赛始于1993年，至今已经举办过5届，是中国文化部重点鼓励参加的国际芭蕾舞大赛之一.虽然这项比赛历史并不悠久，但在短短十几年的时间里吸引了许多优秀的参赛选手，也因此闻名世界。
7、上海国际芭蕾舞大赛
 
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